Arte de modelar, tallar y esculpir en barro, piedra, madera, metal u otra
materia conveniente, representando en volumen, figuras de
personas, animales u otros
objetos de la naturaleza o el asunto y composición que el ingenio concibe.
Origen
El origen
de la escultura puede explicarse considerando cuán natural es en el hombre la
tendencia a imitar, en volumen, las formas de la naturaleza y qué espontáneo
placer experimenta el alma humana en la rítmica combinación de la línea y
la masa.
Este arte
ha creado en el curso de su historia, dos clases de belleza: la imitativa y la
imaginativa. En esa esfera de la expresión humana que denominamos creación
artística, la actividad específica de la escultura es el proceso de
representación de una figura en tres dimensiones. El objeto escultórico es por
tanto sólido, tridimensional y ocupa un espacio.
Procedimientos
El
procedimiento para generar dicho objeto nos remite a las variedades técnicas de
la escultura. Según los tratadistas italianos del Renacimiento (Alberti, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel), un escultor es aquel que
quita materia de un bloque hasta obtener una figura. Por consiguiente, esculpir
o tallar es quitar, y es escultor quien sabe quitar lo que sobra en un bloque,
de material sólido, que contiene un objeto escultórico en potencia. Así lo
manifestaban dichos escritores para poner de relieve el contraste entre
escultura y pintura, ya que esta última consiste, por el contrario, en añadir.
En la
eliminación de la masa sobrante estriba la dificultad de la escultura, Se trata
de una operación conceptual y técnica a la vez. Para poder extraer la figura
del claustro en que está recluida, el escultor tiene previamente que verla, y
después, valerse del oficio. Un escultor que no haya previsto cabalmente la
imagen que desea expresar puede, con todo, llevar a cabo una escultura, pero el
resultado apenas convencerá al contemplador. Ya la inversa, de poco le servirá
la idea si desconoce los medios para convertirla en objeto artístico.
Pero
también es escultor el modelador, el que efectúa un modelado, quien lo mismo
que el pintor, agrega, valiéndose de un material blando (Cera, Arcilla, Yeso).
El modelado pertenece, pues, al campo de la escultura, pero difiere
radicalmente de la escultura propiamente dicha por lo que concierne al
procedimiento. No será ya necesario adivinar, se podrá concebir sobre la
marcha, e incluso cambiar el plan previsto. En sentido estricto, sólo es
escultura la primera. Hoy, sin embargo, no se tiene una apreciación tan
radical, y en materia de creación artística se considera la operación de
modelar tan válida como la de quitar de un bloque.
El
modelado es especialmente apto para el momento creativo, como lo es el dibujo.
El artista podrá, indistintamente, añadir o quitar de la masa blanda. De
ordinario, hará numerosos bocetos de tamaño pequeño, y finalmente un modelo a
escala de la escultura que pretenda llevar a cabo. Pero también hacen escultura
los que modelan con intención definitiva, bien para ofrecernos el material ya
endurecido, bien para trasladarlo a otro material (vaciado) por mediación de un
molde. El fundido en bronce y metales nobles será, pues, una manera de hacer
escultura.
Historia
Desde los
tiempos más remotos el hombre ha tenido la necesidad y la oportunidad de
esculpir. Al principio lo hacían con los materiales más simples y que estaban a
la mano: barro y madera. Después fueron empleándose la piedra, los metales y
todos los demás que pueden verse en la sección "Materiales y técnicas
tradicionales" y en "Materiales y técnicas de los tiempos
modernos". Los pueblos de la prehistoria hicieron esculturas relacionadas
con la religión y los mitos. A veces eran simples amuletos. Se han encontrado
también en algunos enterramientos de niños, muñecos de todo tipo, algunos
articulados como las marionetas.
Las
grandes civilizaciones antiguas (Roma, Grecia, Mesopotamia , Egipto, Asia)
realizaron grandes esculturas que representaban a sus dioses a sus gobernantes
y a sus héroes. Utilizaban los bajorrelieves para narrar grandes batallas y
escenas de la vida cotidiana. Estas civilizaciones supieron admirar la
escultura como arte y dejaron para la posteridad figuras de adorno hechas por el
simple placer de su contemplación. ( Historia de la Escultura Info).
Escultura
europea
La
escultura europea en la Edad Media tuvo
sus características propias. La escuela románica se manifestó como una reacción
frente al naturalismo clásico. El escultor no presta casi atención a la
anatomía y a la belleza del cuerpo. Sin embargo va evolucionando hasta llegar
en el gótico a un creciente interés por la naturaleza y por todos los seres
animados. La escultura del gótico trata de dotar a sus personajes de
expresiones más humanas que demuestren sentimientos. Los temas casi siempre de
religión, aunque como novedad reaparece el retrato, sobre todo con fines
funerarios, fruto del incipiente individualismo que tendrá su culminación en el
Renacimiento.
En el
Renacimiento italiano se inicia la imitación de las obras clásicas con la
escultura, antes que las otras artes. Abundaron las estatuas y los relieves en
todas las ciudades. Federico II, desde Nápoles, fue el gran impulsor del nuevo
estilo que se extendió desde Italia a los demás
países. El Barroco sucede al Renacimiento. La escultura es esencialmente
decorativa, que expresa movimiento y actitudes propias de una escena teatral y
que demuestra la exaltación de los sentimientos. En el Neoclasicismo, la escultura retorna a la
antigüedad clásica, no sólo en los temas sino en el estilo.
En
el siglo XX aparece una reacción
contraria a los escultores del siglo XIX. Inician
esta nueva etapa los escultores franceses que aprenden y valoran la belleza de
la escultura griega y egipcia. Recuperan el valor de forma y añaden movimiento
y equilibrio. En este siglo aparece el cubismo, constructivismo y surrealismo.
Canon de
proporciones
El canon
representa en escultura y en pintura lo que el módulo en arquitectura y no es
otra cosa, en general, que el conjunto de las medidas proporcionales que se
observan en la figura humana.
Los
artistas griegos del siglo de oro (siglo V a.n.e.) tuvieron ya su canon
atribuido principalmente al escultor Policleto y aunque desde entonces ha ido
sufriendo rectificaciones y variaciones en manos de los antiguos y modernos
artistas, quedó bastante establecido por el pintor Leonardo da Vinci a finales del Siglo
XV acomodándose a él la mayoría de los pintores y escultores.
La medida fundamental del canon florentino tomada del hombre bien constituido
está en la cabeza. Ésta se considera en altura como la octava parte de todo el
cuerpo, siendo la cara la décima parte del mismo y de una altura igual a la
longitud de la mano. Estando el hombre en pie y extendiendo los brazos,
determina un cuadrado perfecto con las líneas que bajan a plomo y pasan por los
extremos de las manos y las que horizontalmente se tienden sobre la cabeza y
debajo de los pies. Las diagonales de este cuadrado se cortan en la última
vértebra lumbar y fijan en el centro de toda la figura. Tirando una horizontal
por dicho punto central se divide el hombre en dos partes iguales y cada una de
éstas en otras dos, por líneas paralelas que atraviesen por la mitad del pecho
y por las rodillas. La cabeza se divide a su vez en cuatro partes iguales
siendo una de ellas la nariz.
Materiales
Barro
Es uno de
los materiales más antiguos utilizados por el hombre por ser fácil de modelar y
no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar simplemente
las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar con otros
materiales. Si se emplea como material definitivo debe cocerse; en este caso recibe
el nombre de terracota.
Piedra
Este
material es usado desde muy antiguo por encontrarse muy a mano en la
naturaleza. Para manejar la piedra se necesitan unas herramientas especiales.
Las piedras más comunes en la escultura son:
·
Mármol: Roca metamórfica dura, con grano
fino y compacto. Su tratamiento de la superficie puede ser muy variable,
obteniendo distintas tesituras, como tersura, morbidez, aspereza, etc. Al ser
un material muy perdurable es uno de los preferidos por los grandes artistas de
la Antigüedad y el Renacimiento.
·
Alabastro: Es un mineral de yeso, de color
amarillento, parecido al mármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero
fácil de trabajar. Ligeramente traslúcido.
·
Piedra caliza: Es blanda y fácil de
trabajar; se emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad de hacerse
más dura con el paso del tiempo. Su conservación depende mucho de la calidad de
las canteras ubicadas en distintas zonas geográficas. Se ha utilizado mucho
para la escultura monumental.
·
Metales preciosos y otros materiales, como el oro, la plata o el marfil.
Bronce
Es quizás
es material más duradero pero al mismo tiempo es el más difícil de trabajar y necesita
la ayuda de otras técnicas como el modelado en barro o escayola. Se ha
utilizado sobre todo para escultura urbana de monumentos de personajes,
fuentes, etc. La técnica más destacada en el trabajo con bronce es la
denominada «cera perdida», consistente en realizar el molde en cera y
recubrirlo de barro u otra sustancia refractaria. Una vez seco se vierte el
bronce colado que va fundiendo la cera y ocupando su lugar. La cera líquida se
evacua a través de orificios practicados en el barro.
Madera
Es un
material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y buenos
resultados. Hay muchos tipos de madera y según sus cualidades puede dejarse la
escultura en su color natural o por el contrario pintarse en un policromado
adecuado a cada textura.
Las maderas llamadas nobles se dejan en su color natural. Son el Nogal, Roble, Haya, Cedro, Caoba y
otras. La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la
estación de invierno cuando la savia está en las raíces y de esta manera se
consigue que esté bien seca y sin dar lugar a descomposición de la materia. Los
árboles presentan unos troncos con diámetros más o menos limitados y eso obliga
a veces a que se hagan piezas diferentes y apropiadas para llevar a cabo la
obra. Los trozos se unen con espigas y se pegan a veces con una cola especial.
Si la escultura tiene un acabado de policromía, las juntas pueden disimularse
menos, ya que la pintura tapará el material de relleno, de lo contrario hay que
hacer una labor de verdadero artista. A veces las esculturas de madera se
aligeran haciendo hueco su interior.
Policromía
·
Primero se tapan las juntas con tiras de tela encolada.
·
Se da en toda la obra una capa de yeso mezclado con agua y cola y a
continuación se procede al lijado.
·
Se aplica una serie de pigmentos que imitan la piel, las vestiduras, el
pelo y todo lo demás.
·
Finalmente viene el proceso del dorado. Las partes a dorar llevan una
capa de arcilla roja disuelta en cola, como soporte de las finísimas láminas
llamadas “pan de oro” que se iban aplicando en pequeñas porciones hasta
recubrir la superficie deseada. Encima del oro también se puede pintar o
resaltar rayando con un punzón de madera, formando así todo tipo de dibujos
necesarios para la obra, como estrellas, flores, dibujos geométricos, etc.
Oro y la
plata
Por ser
metales nobles, confieren a la obra un carácter santuario. Será escultura en
tamaño pequeño pero dotada del cariño de lo menudo. El orfebre también puede
ser escultor, como lo era Benvenuto Cellini. Es escultura de tamaño pequeño en
la que el valor intrínseco es inseparable del valor artístico. Así, cuando
el Oro y
el arte se reúnen en una obra, ésta asciende a lo trascendental.
Hay
además materiales a los que se les otorga una significación mágica o religiosa.
Llega un momento en que pierden la significación original, y, depurados,
quintaesenciados por su duración histórica, resultan atributos esenciales de
determinados géneros. Es lo que ocurre con el jade, material sagrado en extremo
Oriente, o con el azabache, con el que se fabricaron tantos exvotos en la Edad Media. Nadie puede pensar en una
imagen antigua de Santiago apóstol o una venera de la peregrinación que no
fuera de azabache. Y lo mismo puede decirse del cristal de roca, materia con
que se ha expresado el arte cortesano de la Europa barroca; y del marfil,
destinado a objetos pequeños, depurados, en que se adora a Dios o
al rey.
Las
formas
El
estudio de las formas que intervienen en la obra de arte ha llegado a
clasificaciones y tipologías que permiten definir los estilos, sobre todo en el
tratamiento de la figura humana. La primera noción formal es la del perfil. En
la cabeza radican muchos elementos: la masa de cabellos, en cuya disposición
hay ecos de la moda; los ojos, con toda su variedad (desde redondos a ovalados,
prominentes o deprimidos, con sacro lacrimal e iris o sin ellos, etc.); la
nariz, y muy señaladamente los labios y la boca, sede fundamental de la
expresión.
Tórax y
abdomen tienen regiones características los pectorales y el pubis. La manera de
separarse unas zonas de otras, las arrugas, los pliegues de grasa de la
cintura, constituyen un variado elenco en la estatuaria helénica. La rodilla es
otro de los puntos esenciales donde los estilos dejan su personalidad, sin duda
porque es un punto de flexión muy importante para las actitudes del cuerpo. Y
por supuesto el pie, con todas sus posiciones. En cuanto al vestido ya hemos
señalado su importancia, tanto por la configuración general de la prendas, como
por la forma y disposición de los pliegues. Todo esto atañe principalmente al
arte del pasado, pero puede extenderse al actual. A pesar de la desbordada
imaginación del arte abstracto, no es difícil una clasificación de determinadas
facetas. Las líneas de fuerza constituyen elemento básico para codificar las
formas.
Tipos de
escultura
La
escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y escultura ornamental,
según que represente la forma humana y exprese las concepciones suprasensibles
del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres de la Naturaleza, Animales o Vegetales.
La primera lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio,
desempeñando la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a la primera
y a la Arquitectura.
De bulto
redondo
Se
denomina también exenta. Es aquella que se puede contemplar desde cualquier
punto de vista a su alrededor. Si se representa la figura humana se denomina
estatua. Si la estatua representa a un personaje divino o está hecha para el
culto religioso se llama imagen. En función de la parte del cuerpo
representada, su posición u otras características las escultura de bulto
redondo se clasifican en:
·
Busto: Sólo representa la cabeza.
·
Torso: Le falta la cabeza, piernas, brazos.
·
Sedente: Sentada.
·
Yaciente: Tumbada.
·
Orante: De rodillas.
·
Ecuestre: A caballo.
·
Grupo: Lo que su nombre indica.
De
relieve
Es
aquella que está realizada o adherida sobre un muro o cualquier otra
superficie, por lo que tiene un único punto de vista que es frontal. Según lo
que sobresale del plano se clasifica en:
·
Altorrelieve: la figura sobresale más que la mitad de su grueso.
·
Medio relieve: sobresale la mitad.
·
Bajorrelieve: sobresale menos de la mitad.
·
Hueco relieve: no sobresale del plano del fondo.
Funciones
Las
funciones que puede cumplir la escultura son variadas. A lo largo de la
historia, y dependiendo de cada cultura o civilización, han preponderado unas u
otras. Entre ellas se destacan la función Religiosa,
la Funeraria,
la conmemorativa, la didáctica y la ornamental.
Las
primeras muestras de escultura de que se disponen corresponden al Paleolítico
Superior y en ellas destacan las llamadas «Venus paleolíticas», al parecer de
función mágico-religiosa.
La
función religiosa queda patente a lo largo de toda la historia de la humanidad.
Se trata de representar a los dioses de los diversos pueblos, desde el Egipto
antiguo, a Mesopotánia , la civilización hindú, etc., hasta casi nuestros días.
De la
función funeraria de la escultura tenemos constancia desde el Egipto antiguo,
revitalizada después mediante numerosos mausoleos y monumentos funerarios que
recorren desde el Imperio Romano, al gótico, el barroco e incluso la época
contemporánea, incluyendo culturas orientales, como es bien visible en el Taj Mahal.
La
función conmemorativa la han empleado muchas civilizaciones y regímenes
políticos. Con ella se trata de realzar la figura de un personaje importante
(emperadores, reyes, gobernantes, héroes...), o sus gestas u obras. También las
gestas de algún pueblo o un algún hecho destacable de su historia. Suele ocupar
espacios públicos abiertos como plazas, cumpliendo además una función
ornamental. Aunque predomina el bulto redondo, puede ser también en relieve
como ocurre con la Columna Trajana o el Arco de Tito en Roma.
La
función ornamental puede darse ligada a alguna de las otras funciones, aunque a
veces puede ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o
la geométrica. En los estilos aniónicos como el islámico o el hebreo, cumple un
papel fundamental. También en gran medida la escultura del siglo
XX, sobre todo la abstracta, cumple principalmente esta función.
Herramientas
para trabajar
·
Maza de madera para golpear el mango de estos útiles
Materiales
y técnicas en los tiempos modernos
La
aparición de nuevos materiales a causa de la Revolución Industrial junto a los
deseos innovadores de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX
tuvieron como consecuencia la ejecución de obras con materiales y técnicas
nuevas. Así serán frecuentes las obras en hierro, aluminio u hormigón. A estas novedades se le añaden
otras características como el papel que se le llega a conceder al hueco o la
aparición de la escultura cinética (los llamados «móviles»). Además se
incorpora el llamado «objeto encontrado», lo que significa que un objeto
cualquiera puede pasar considerarse escultura, como ocurrió con la famosa
Fuente de Marcel Duchamp.
En
definitiva, las técnicas y materiales se diversifican y se hacen más complejas.
A menudo, sobre todo las grandes realizaciones, requieren el concurso de
instalaciones industriales para su realización. En ellas el escultor se limita
al diseño y la dirección de los trabajos, pero apenas toca la obra. En
fábricas, los obreros funden los metales, los cortan y los sueldan. O vierten
el hormigón sobre encofrados realizados por otros obreros.
En las
pequeñas realizaciones el autor puede hacer este trabajo, en el que se llega a
utilizar planchas de hierro, alambre, hojalata, madera o una mezcla de estos
componentes. También se utilizan distintas variedades del plástico, el vidrio o
los fragmentos de azulejo. En definitiva, el material deja ser una limitación
para el escultor contemporáneo, que puede así dar rienda suelta a su libertad
creadora.
El
procedimiento fundamental y clásico seguido por los escultores es el esculpido,
sirviéndose de escoplo y buril o cincel según los casos pues incluso los otros
procedimientos de fundir y moldear exigen más o menos retoques de cincel si la
obra ha de salir perfecta. Se usan además el moldeado o vaciado, el cincelado,
el repujado, el embutido, el grabado y el estampado o troquelado.
·
Esculpir consiste en quitar partículas al bloque ya desbastado hasta
lograr obtener la figura que se pretende.
·
Moldear es dar a una pasta la deseada forma añadiendo o quitando
porciones de masa.
·
Vaciar es obtener una forma en hueco o vacío para llenarla después con
fundición o con una pasta cualquiera y lograr la positiva.
·
Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y
también formar bajo relieves con el cincel en una lámina metálica.
·
Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo sobre
algún molde los relieves y los huecos necesarios par conseguir la forma que se
pretende.
·
Grabar es rehundir o fijar por incisión (mediante cincel, buril o agua
fuerte) sobre material duro un dibujo cualquiera.
·
Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta un
cuño o troquel con las figuras en hueco para que éstas resulten de relieve.
·
Embutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal
precioso para que a fuerza de golpes tome sus formas y después, quitando la
chapa y uniendo los bordes de ella quede una estatua u objeto artístico hueco
pero con apariencia maciza. También se llama embutido e incrustado el resultado
de introducir algunas piezas en las abertura o surcos practicados en otras. Son
variedades de estas incrustaciones muy usadas en artes decorativas, la taracea
que se hace con madera o marfil embutiéndolo en la superficie de algún mueble
de madera y la ataujía o damasquinado que se practica introduciendo laminillas de
metal precioso en los dibujos abiertos en bronce, hierro o acero. Con estas
formas decorativas se relaciona el granulado y la filigrana. Ésta se hace
aplicando hilos o cordoncillos de metal precioso encima de otro de la misma
clase o inferior produciendo dibujo y aquél sembrando de perlitas metálicas la
superficie de la joya o pieza similar.
Esculturas
famosas y desaparecidas de la antigüedad
Fue una
estatua de bronce, de tamaño gigantesco que se supone realizada entre los años
303 y 280 adC. Se cree que su autor fue el escultor griego Cares de Lindos,
discípulo de Lisipo. Medía 30 metros de altura y estaba situada a la entrada
del puerto de Rodas, visible para los barcos que se aproximaban a la isla. Se
consideró por los antiguos como la sexta maravilla del mundo. Los escritores
romanos hicieron una descripción de esta obra. Se erigió para conmemorar la
victoria de los habitantes de Rodas contra el general de Macedonia Demetrio
Poliorcetes.
Glosario
·
Abstraccionismo: La abstracción como
corriente se manifiesta por primera vez en la segunda década del siglo
XX. El interés por despejar la obra de todo contenido anecdótico, de
hacerla valer por sus propios medios, convirtiéndola en objeto en sí mismo y no
en medio de representación de la realidad, define en términos generales las
inquietudes de las diferentes tendencias abstractas, surgidas en varios puntos
del continente europeo.
·
Alegoría: En la pintura y escultura es la representación simbólica de
ideas abstractas por medio de figuras, grupos de éstas o atributos.
·
Alto relieve: Los volúmenes están unidos a un fondo del que se
proyectan, en este caso hasta constituir casi una escultura de bulto.
·
Arte pobre: Utiliza materiales pobres o perecederos, uno de los aspectos
más importantes de la obra es su carga conceptual.
·
Bajo relieve: La figura no sobresale del plano, no se proyecta hacia el
espacio exterior.
·
Body art: Pertenece a una de las
manifestaciones del arte conceptual, donde el artista trabaja sobre su propio
cuerpo.
·
Cera perdida: Sobre un núcleo de barro semejante al de la forma
definitiva se aplica una capa de cera que el escultor trabaja en todos los
detalles. La capa de cera se recubre con otra de barro semilíquido que al
endurecerse reproduce con exactitud el modelo. Se aplican nuevas capas de barro
para ir engrosando el molde y por último yeso hasta crear la concha protectora.
En estas capas de molde (desde el barro hasta el yeso) se deja una abertura con
un tubo para verter el metal candente. El molde ya preparado se somete al calor
para que la cera se derrita y quede un espacio que ocupara el metal cuando se
vierta en el molde y se saca la obra para darle el acabado a cincel.
·
Cinetismo: Introduce el movimiento en efectos ópticos y la configuración
de espacios con objetos tridimensionales que abordan el espacio del cuadro y se
construyen con materiales plásticos, máquinas musicales o tubos de neón. La
energía, la relatividad, el concepto de proceso, de fenómeno cambiante,
transitorio, inestimable y ambiguo lo caracterizan.
·
Carrara: Ciudad de Italia que le da
nombre a las canteras de donde son extraídos los famosos mármoles, ubicada en
la provincia de Massa,
a orillas de Aranza.
·
Concreto directo: Este material posee la ventaja de la resistencia a la
intemperie, con él se ahorra el molde de yeso y vaciado.
·
Constructivismo: Movimiento abstracto
gestado en Rusia en las primeras décadas del
siglo XX. Concibe el arte como construcciones basadas en materiales
industriales, y se inscribe en la línea abstracta por sus formas no
descriptivas. Trata de vincularse a la realidad que ofrece el mundo
tecnificado, aunque haciendo abstracción de sus características. De ahí el
respeto absoluto al material y la renuncia de todo color que no esté dado por
éste. En la escultura se conciben los volúmenes y los relieves no como masas
compactas, sino como planos que se articulan dinámicamente para incorporar el
espacio y a la vez crear un ritmo dinámico.
·
Dórico: Orden griego cuyo capitel está compuesto por un ábaco y un
equino y el fuste es muy robusto.
·
Escultura de bulto o exenta: Es un volumen trabajado por todos los
planos y exige del espectador un desplazamiento a su alrededor.
·
Exvoto: Algo que se ofrece en reconocimiento a una gracia recibida.
·
Friso: Franja lisa y esculpida del entablamento entre el arquitrabe y la
cornisa.
·
Ferrocemento (técnica): Utiliza como material el mortero de arena y
cemento blanco en proporción de dos paredes de arena por dos de cemento. El
cemento blanco acelera el proceso de fraguado de la mezcla por lo que precisa
humedecer constantemente el trabajo. Técnica muy efectiva de gran durabilidad y
resistencia a la intemperie. Con esta técnica se le da forma a la pieza con una
serie de mallas superpuestas de alambre o de hierro. Luego se prepara la
estructura interior tirando el mortero de cemento y arena de manera que la
mezcla se adhiera a las mallas y termine fraguándose de un modo homogéneo. Una
vez fraguada la mezcla se limpia la superficie y si es necesario se aplica una
última capa de terminación con un derretido de cemento para tomar los
desperfectos.
·
Expresionismo
abstracto: En él priman el color, el gesto y la acción. Tiene sus
antecedentes en la pintura de Willem de Kooning y Jackson Pollock.
·
Happening: Pertenece a una de las variantes
del arte conceptual, donde el objeto artístico pierde cualquier valor frente a
la primacía del concepto o de la idea, es un arte efímero.
·
Hiperrealismo: La escultura hiperrealista
se caracteriza por brindar una mimesis absoluta de la realidad, trabajando la
figura humana en todos sus detalles. Utiliza el vinyls como uno de sus
materiales preferidos.
·
Imágenes vestideras: Tipo de imagen proveniente de la religiosidad
popular que se caracterizan por tener brazos y piernas articuladas para
facilitar quitar y poner vestimenta.
·
Minimal
art: Forma del expresionismo abstracto que persigue el afán de
neutralidad y la negación absoluta de ilusionismo, la mínima complejidad y el
máximo orden, elaboración de objetos puros en los que lo fundamental era la
idea ya que en muchas ocasiones, los artistas encargaban sus obra a compañías
industriales. En este caso escultura y pintura parecen coincidir en sus
propósitos.
·
Modelado: La técnica de modelar requiere un material dúctil como el
barro. Como herramienta se emplearán los dedos y los palillos. En el proceso
del modelado el paso esencial es opuesto al de la talla; en vez de sustraerse
el material sobrante del bloque hasta obtener el cuerpo básico, hay que empezar
por crear el cuerpo básico de la obra.
·
Neodadísmo:
Incorpora objetos cotidianos a sus obras, convierte determinados objetos en
obras de arte. Utiliza el collage y ensamblaje de objetos y desperdicios del
consumo.
·
Pop art: Tendencia figurativa que rechaza
la abstracción. Tuvo su desarrollo más importante durante los años 60 del siglo
XX, fundamentalmente en Inglaterra y
los Estados Unidos. Las imágenes derivadas de
los medios de comunicación de masas, como los cómics, el cartel, la publicidad
o los objetos cotidianos pasaron a protagonizar la pintura y la escultura.
A Cuba llega
en la década del 70.
·
Relieve: Los volúmenes están unidos a un fondo del que se proyectan. Sí
se proyectan considerablemente hasta constituir casi una escultura de bulto, se
les llama alto relieve si la proyección es menor, bajo relieve. Otro tipo de
relieve, es el que no sobresale del plano, sino que se proyecta hacia dentro,
por lo que se conoce como relieve en hueco o intlagio.
·
Rodiniano: Referido al famoso escultor francés Auguste Rodin promotor del realismo e impresionismo en la escultura.
·
Repujado: Consiste en golpear la hoja por la parte posterior a fin de
obtener los relieves deseados por la otra cara. El acabado se logra mediante el
cincel aplicado desde a la cara positiva.
·
Talla: Técnica escultórica que utiliza como materiales la piedra y la
madera. Es un proceso de sustracción laborioso, que requiere fuerza física y
maestría porque no admite rectificación.
·
Tinguely:
Artista suizo perteneciente al Neorrealismo (década
del 60), fundado en Francia. Sus obras registran la realidad
sociológica, anexa los elementos de la realidad pura y simple, tal y como está
en su estado bruto. Las primeras creaciones de Tinguely son máquinas que hacen
pintura abstracta. Después serán pinturas automáticas y funcionarán como un
tragamonedas, que pueden hacer hasta 40 000 pinturas gestuales.
·
Vaciado: Proceso de obtención de esculturas por medio de moldes y el
empleo de un material en estado fluido que se solidifique al secarse o
enfriarse.
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